Как изменилось моё отношение к сцене
Когда я учился в музыкальной школе, выступление на публике было для меня мучением. Я начинал волноваться за несколько дней, а утром перед концертом не мог поверить, что скоро придётся выйти и играть.
Страшнее всего было ошибиться. И, конечно, ошибки случались. Однажды я помнил только припев, повторял его снова и снова, а куплет совсем вылетел из головы — почти как в истории про «Папу у Васи», который был силён в математике. Ничего страшного со мной после этого не произошло.
Сейчас сцена вызывает у меня совсем другие чувства: я получаю от выступлений удовольствие и заряжаюсь ими. Поделюсь тем, что помогло прийти к этому состоянию.
Первый совет: чаще играйте для кого-то
Публика — это любой человек, кроме вас. Друг, подруга, родители, несколько знакомых. Начните с небольшой и доброжелательной аудитории.
Можно даже представить, что рядом сидит друг и слушает. Но постепенно полезно переходить и к реальным людям, чтобы исполнение для кого-то становилось привычным.
Я сравниваю это с возвращением из долгого похода в город: если месяц не видеть людей, даже обычный супермаркет покажется шумным и непривычным. Так же и музыканту трудно сразу перейти от одиночных занятий к пятнадцати незнакомым слушателям, не говоря уже о большом зале.
Чем чаще вы спокойно играете для разной публики и воспринимаете слушателей как друзей, тем естественнее становится сам процесс.
Второй совет: записывайте себя
Запись на видео или диктофон тоже создаёт небольшое волнение. Это возможность привыкать играть в ситуации, когда результат как будто кто-то оценивает.
Здесь две задачи: научиться действовать, даже если волнуешься, и постепенно сделать само волнение меньше. Записывать можно в середине занятия или в конце. Затем послушайте, что получилось.
Видео даёт дополнительную информацию: видно положение тела, движения и выражение лица. Артистизм — это не только правильно нажатые клапаны, но и то, как человек передаёт своё состояние.
Полезно поиграть перед зеркалом, посмотреть запись и обдумать движения. Они тоже могут быть средством выразительности, хотя совсем не обязаны превращаться в большое шоу.
Третий совет: оставляйте запас возможностей
Не выбирайте для выступления произведение на пределе своей техники. Если всё внимание занято мыслью «как бы попасть в ноты», на художественный смысл и общение с залом сил почти не остаётся.
Я советую брать материал, который ощущается примерно как семьдесят процентов ваших возможностей. Это образный ориентир: должно оставаться пространство для улыбки, дыхания, движения, внимания к слушателям.
Люди приходят за музыкой и человеческим теплом. Передать их проще, когда вы не боретесь с каждым следующим тактом. Посильный репертуар помогает и меньше волноваться.
Четвёртый совет: заранее допустите ошибку
Попробуйте несколько раз спокойно представить, что во время выступления что-то пошло не так. Как отреагируют слушатели? Что сделаете вы? Что произойдёт после концерта?
Часто выясняется, что страшнее всего сама мысль об ошибке. Даже неудачный экзамен можно пересдать; одна неверная нота не отменяет всей вашей музыки.
Я видел выступления Стинга, где он ошибался, замечал это и продолжал, а зал отвечал тепло. Вспоминаю и Адель, которая могла остановиться, извиниться и начать заново. Известный артист тоже остаётся живым человеком.
Концерт отличается от тщательно вычищенной студийной записи. В нём появляется новое, иногда незапланированное. Это не повод стремиться играть неточно, но и не причина считать каждую неточность катастрофой.
Пятый совет: публика слышит не так, как ваш внутренний критик
Вы можете мысленно разбирать одну неудачную ноту, а слушатель уже воспринимает следующую фразу. Особенно в джазовой и эстрадной музыке не всякое отклонение будет воспринято как ошибка.
Разумеется, нужно работать над ритмом, звуком и точностью. Но на моей практике не было концерта, где абсолютно всё оказалось исполнено ровно так, как было задумано. Мне нравится эта живая сторона музыки.
Не всегда зал пристально следит за каждым вашим движением. В клубе люди могут разговаривать, смотреть в телефон, ужинать. Задача артиста — заинтересовать их и создать момент, к которому захочется присоединиться, а не доказать безошибочность исполнения.
Артистизм не обязательно означает много движений
У Джона Колтрейна или Дэвида Сэнборна можно увидеть достаточно сдержанную манеру поведения на сцене — и всё равно невозможно оторваться. У Кэнди Далфер движение и шоу становятся ещё одним выразительным средством. Оба пути могут работать.
Я также вспоминаю известное видео с музыкантом, играющим на бубне: небольшая партия, но столько энергии и радости, что взгляд постоянно возвращается к нему.
Важно не количество движений, а включённость. Вы можете быть душой ансамбля и с небольшой партией. Но для этого полезно постепенно освободить внимание от постоянной борьбы с волнением.
Импровизация тоже помогает свободе на сцене
В конце исходного видео я рассказывал о подготовке курса по импровизации для разных инструментов и строев: саксофона, трубы, флейты, гитары, струнных.
У работы над импровизацией есть дополнительная польза: вы учитесь не теряться, когда музыка развивается не по единственному заранее заданному пути. Это тоже помогает чувствовать себя на сцене свободнее.
О занятиях с планом работы и обратной связью по вашей игре рассказываю на странице «Уроки саксофона».
